Sandy Island Villas Development, Singapore
Committente: YTL Corporation
Progettista: Claudio Silvestrin Architects
Fine lavori: 2013

Photo: Claudio Silvestrin Architects

Come si può definire il linguaggio espressivo dello Studio Sartogo?
Ogni opera di architettura significativa nasce da un percorso complesso ed articolato che va dalla teoria alla prassi costruttiva, al suo successivo utilizzo. Il nostro processo progettuale è sempre costituito da due fasi che si sovrappongono e che interagiscono nel loro sviluppo: la prima di ordine intellettuale, che tende ad organizzare i dati strategici di fronte al tema posto, onde pervenire ad una stesura razionale di scelte che riguardano fatti anche molto concreti come la funzionalità (infatti l’architettura non può prescindere dalla capacità di rispondere alle esigenze del fruitore); la seconda è quella del talento, che si esercita sviluppando la propria ricerca espressiva in continuità tra un progetto e l’altro nell’arco della propria attività. Uno dei motivi per cui questo processo è straordinariamente interessante e coinvolgente sta proprio nel fatto che noi architetti abbiamo la fortuna di vedere tradotte le nostre idee in manufatti fisici che restano a testimonianza del proprio tempo: questa sfida non si arresta mai.

Gli spazi in cui le persone vivono, influiscono sulle loro emozioni. Quindi le esigenze funzionali della struttura sono elemento sul quale riflettere in fase di progettazione. Quali sono i principi generali in tal senso a cui vi siete ispirati nella progettazione del Centro Conferenze IFAD.
Si tratta di un grande “inscape”, uno spazio ipogeo, fluido e continuo, ove è stato fondamentale creare un rapporto con l’esterno in modo tale da far penetrare la luce naturale nei punti nodali del suo sviluppo. Il progetto, pertanto, realizza una serie di patii di forma ellittica, avvolti da superfici vetrate che accompagnano, segnano, scandiscono la sequenza spazio-temporale dei percorsi tra la reception, le sale di riunioni a dimensione modulabile, la sala delle assemblee, gli uffici, la zona ristorazione e quanto altro. Questo approccio non è soltanto risultato efficace da un punto di vista funzionale ed operativo, ma ha anche valso un importante riconoscimento in quanto primo edificio in Italia ad ottenere la certificazione LEED (Leadership in Energy and Environmental Design).

Ma non solo gli spazi, anche i luoghi hanno la loro importanza. Il vostro lavoro testimonia una grande attenzione, per scelta dei materiali, skyline, tecnologie di costruzione… al contesto dove va ad inserirsi l’opera architettonica. Quali le ragioni di quest’approccio e, dal vostro punto di vista, com’è cambiato il contesto urbano del nostro Paese negli ultimi 40/50 anni.

Non c’è dubbio che le nostre città siano notevolmente cambiate, in quanto intorno ai centri storici consolidati sono cresciuti nel tempo, con successive espansioni periferiche, modelli edificatori che progressivamente si sono sempre più scostati dalla “forma urbis” di origine.
La caratteristica fondamentale della città storica, che del resto possiamo in termini generali classificare come modello della città europea, è composta da una massa solida dell’edificato, nella quale sono ricavati per sottrazione i cosiddetti “vuoti urbani” costituiti da piazze, strade, gallerie, portici e quanto altro riguarda la sfera pubblica della città stessa.
Negli ultimi 50 anni, con un’accelerazione esponenziale, la cintura che ha circoscritto i nuclei storici è divenuta preponderante, dilatandosi lungo assi di sviluppo dettati molto spesso più dalla speculazione immobiliare che dalla pianificazione urbanistica. Non è un caso che le estese periferie, salvo rarissime eccezioni, sono soprattutto dormitori, agglomerati privi di infrastrutture di mobilità e di spazi per la vita associativa, che oggi non sono più costituiti dai vuoti urbani ma, eventualmente da outlet, centri commerciali o multisale cinematografiche ecc. Questi spazi certamente non hanno caratteristiche architettoniche comparabili con gli spazi della città storica. Si tratta di “non luoghi” a scala metropolitana, nuovi poli di attrazione e condensazione della vita associativa.

Da diversi anni il tema della progettazione delle cantine è centrale nella moderna cultura architettonica, che ne pensate?
Noi siamo stati fra i primi in Italia a progettare negli anni ’90 cantine d’autore, cimentandoci con l’incontro tra la modernità e il “luogo”, sempre di altissimo valore paesaggistico.

E proprio l’incontro con i valori paesaggistici ed ambientali dei vigneti è stato uno dei principali motivi di interesse, che ha suscitato in noi il desiderio di sperimentare modalità progettuali precedentemente esercitate soprattutto in contesti urbani. Il territorio agricolo è qualcosa di molto particolare e di molto fragile, facilmente deturpabile, con interventi non opportunamente calibrati in termini di impatto percettivo e non armonicamente in dialogo con le sue morfologie. Indubbiamente oggi la committenza ha sviluppato una grande sensibilità per il progetto di architettura in ambito agricolo e per le cantine di vinificazione firmate: basti pensare che l’impresa di costruzione che ha realizzato la nostra prima cantina nel Chianti, per Badia a Coltibuono, successivamente è stata chiamata a realizzarne più di cinquanta. Il risultato di questa nuova tendenza, sviluppatasi soprattutto negli ultimi quindici anni, è stato l’abbandono degli scatoloni prefabbricati che per anni hanno definito la tipologia della cantina di vinificazione per progettazioni molto più accurate e, nei migliori dei casi, anche di alto valore architettonico.

Tra i vostri progetti troviamo, tra le altre, la Cantina Château Guiraud e la Frescobaldi.  Potete parlarci di quali sono state le scelte e le soluzioni principali per non interrompere il legame con il territorio?

Pensando ai progetti da noi realizzati, potrei citare tre esempi molto significativi in termini di dialogo tra nuova architettura e “genius loci”.

Cantina per Badia a Coltibuono: l’intero sistema compositivo si basa sull’idea di configurare un edificio percorribile, che faccia da contrafforte ad un vuoto ricavato scavando in una piccola collina, in modo tale da accompagnare il processo di vinificazione “per caduta”, su un dislivello di circa 20 metri.
Per la cantina L’Ammiraglia dei Marchesi de’ Frescobaldi, in piena Maremma, abbiamo agito come se un lembo di terra fosse  stato sollevato per aprire una sottile e longilinea fessura nel declivio naturale del terreno: una finestra che inquadra il paesaggio. Questo “segno” ha un profilo curvilineo, segue le curve di livello e quindi continua l’andamento naturale del terreno.
Château Guiraud: il progetto si colloca sulle alture del borgo di Sauternes ove è prodotto il pregiatissimo vino dall’omonimo nome, considerato un vero e proprio “nettare degli dei”.
Châteaux Guiraud con Châteaux d’Yquem costituiscono la crème de la crème di questa assai speciale viticoltura: essi sono ambedue abbracciati da un paesaggio di ondulati filari di viti, caratterizzati da un microclima ideale, per la vicinanza del mare. L’assetto architettonico della nuova cantina, digradando sulle vigne dal piano dello Châteaux, imponente edificio di importanza storica, si configura come un terrapieno che esalta i valori architettonici dell’ensemble, nel quale convivono antico e moderno, artificiale e naturale.

Quando una città necessita di una riqualificazione delle sue parti più degradate, da dove bisogna partire e quali sono gli interventi da evitare.
A questa domanda penso che sia opportuno rispondere con un esempio specifico.
Si tratta della costruzione, da noi progettata, della nuova chiesa del Santo Volto di Gesù nel quartiere della Magliana a Roma, un contesto urbano degradato, privo di centri di aggregazioni e di aree pubbliche di socializzazione, incontro ecc. Il sagrato antistante la chiesa da noi progettato è stato immediatamente interpretato dagli abitanti quale nuova piazza di cui appropriarsi per risvegliare un senso comune di cittadinanza partecipe. Tale esperienza che ci ha permesso di verificare fino in fondo la potenzialità della “progettazione del vuoto”, come strumento di continuità spaziale tra il tessuto urbano e l’organismo architettonico.  L’ampio sagrato è l’elemento fondante del progetto, un vuoto che come una grande “V” si apre simulando due braccia tese verso la città e suggerisce l’idea della città – comunitas che penetra lo spazio sacro. Esso è concepito come un vuoto urbano ricavato per sottrazione dalla massa solida del costruito, come una piazza cerniera tra la città e la chiesa, tra il civile e il sacro; uno spazio di aggregazione e socializzazione, quindi, che diviene punto di riferimento per tutto il territorio. Questa è la più chiara risposta che noi possiamo dare alla ricerca di un’architettura in grado di riqualificare e dare nuovi significati a quartieri periferici nati sull’onda della più aggressiva speculazione immobiliare.

Qual’è la vostra posizione sui nuovi edifici “ecologici” e sulla priorità che molti progetti danno ora all’ambiente.
Nel mondo globalizzato l’identità dei luoghi tende a omogeneizzarsi: l’Italia presenta un elevato grado di differenziazione nel paesaggio “costruito con la mano dell’uomo” e questa nostra caratteristica va preservata. Mi riferisco al sistema dei borghi e delle piccole città dislocate tra Toscana, Umbria e Marche. Anche questa volta un esempio è più significativo di un discorso generale: nel caso della Cantina l’Ammiraglia noi abbiamo poggiato il nuovo manufatto in modo che, in contrappunto con il contesto preesistente, disegnasse con la sua presenza una nuova evidente realtà. Anche questo è un modo, a mio avviso, per interpretare i principi dell’eco-sostenibilità, che non si limitano all’ovvio obiettivo dell’abbattimento energetico. In tal senso, abbiamo affrontato il problema della sottrazione di terreno che le nuove costruzioni normalmente implicano, trasferendo quanto scavato per le fondazioni sul piano di copertura. Questa scelta ha generato, tra l’altro, un microclima ideale al di sotto della copertura grazie al naturale trasudo della terra.

E’ vivo il dibattito, iniziato da diversi anni anche all’interno delle università, sulla differenza tra costruire umido e costruire a secco. E si tratta di una questione delicata soprattutto nel nostro Paese che vanta una tradizione del costruito che dura da secoli. Qual’ è la vostra visione su questo tema.

Avendo lavorato in diverse latitudini e Paesi, ci siamo cimentati, nell’arco degli anni, sia in progetti cosiddetti a secco, tipici ad esempio delle modalità costruttive degli Stati Uniti, sia con il costruire umido, tipico dell’area geografica del Mediterraneo. La tendenza generale, dovuta ai fenomeni di industrializzazione del processo edilizio, è senz’altro verso la costruzione a secco. Anche nella nostra storia progettuale si è verificata questa tendenza di sviluppo, secondo la quale, ad esempio la già citata e recente cantina da poco inaugurata in Maremma è il risultato di un processo a secco con strutture in acciaio e in legno lamellare. Nell’Ambasciata Italiana a Washington, invece, si è operato combinando le due modalità costruttive: una struttura in acciaio, involucro racchiuso da mura a forte spessore, con masonry walls verso l’esterno e cavità strutturali-impiantistiche contenute da superfici in cartongesso (gypsum board e metal studs). In tal modo l’immagine dell’edificio dichiara la sua matrice europea, sfruttando a pieno l’efficienza tecnico costruttiva statunitense. La nostra visione su questo tema, quindi, è quella di architetti che, a prescindere da questioni di principio, operano sempre interpretando il genius loci, che comprende non solo la forma ma anche le modalità costruttive.

Il progetto che non avete ancora fatto…
Una casa tutta per noi, in un luogo in cui progettare senza che i vincoli burocratici e normativi riducano la nostra libertà espressiva …il problema è che questo luogo ancora non l’abbiamo trovato, o forse non abbiamo mai avuto veramente il tempo di cercarlo, nella successione frenetica da un progetto all’altro!

Copyright: Archivio Sartogo Architetti
Foto: Andrea Jemolo, Alan Karchmer, Norman McGrath

Progettista: Zaha Hadid Architects
Anno di realizzazione: 2007
Tipo di costruzione: padiglione mobile per esposizioni culturali
Committente: Chanel
Copyright: Zaha Hadid Architects
Foto: Francois Lacour

“Credo che la nostra architettura sia capace di offrire alle persone la prospettiva di un mondo alternativo, da cui lasciarsi entusiasmare. È intuitiva, radicale, internazionale e dinamica. Il nostro impegno sta nel mettere a punto opere in grado di regalare esperienze originali, insolite ed uniche, capaci di trasmettere sensazioni simili a quelle che si provano nel conoscere un nuovo paese. Sono questi i principi che hanno ispirato il Mobile Art Pavilion”.

Suscitare la curiosità di una persona è un tema costante nell’opera di Zaha Hadid. Il Padiglione Mobile Art è un passo nell’evoluzione del linguaggio architettonico di Hadid che genera una sensualità scultorea. La forma organica del Mobile Art Pavilion si è evoluta dalle forme a spirale che si trovano in natura.

Dopo aver fatto tappa a Hong Kong, Tokyo e New York a partire dal 2007, il grande “guscio bianco” in materiale riflettente, donato da Chanel all’Institut du Monde Arabe di Parigi a inizio 2011, verrà utilizzato per sviluppare ulteriormente i programmi culturali del Centro, presentando attraverso mostre ed eventi il lavoro dei nuovi artisti contemporanei provenienti dai paesi arabi.

Questa nuova architettura fiorisce attraverso i nuovi strumenti di modellazione digitale che permettono il processo di progettazione con tecniche di fluidità continua. Una fluidità che risalta nella contrapposizione visiva con il vicino Istituto del Mondo Arabo, dove un modulo geometrico si ripete regolarmente per tutta la facciata. Il design del padiglione parte infatti dalla distorsione parametrica di quello che nell’architettura classica viene chiamato “toro”, ovvero di una modanatura a sezione semicircolare, convessa, collocata in prevalenza nel basamento della colonna (detta anche astragalo o cordone), la cui forma geometrica pura rappresenta in questo caso il diagramma di base dello spazio espositivo.

“Si tratta di un linguaggio architettonico fatto di fluidità e natura – spiega l’autrice del progetto – ottenuto grazie a strumenti digitali che ci hanno consentito di realizzare un padiglione dalle forme organiche, in luogo del mero ordine ripetitivo che contraddistingue l’architettura industriale del XX secolo”.
L’involucro che avvolge il Mobile Art Pavilion, soprannominato il grande “guscio bianco”, è composto da una successione di elementi ad arco in materiale riflettente, che ben si integra con l’uso delle tecnologie digitali. Infatti, il design del padiglione si basa sul concetto della distorsione in sezioni semicircolari e convesse, da cui partono una varietà di spazi espositivi interni.
Attraverso una serie di tagli nell’involucro di copertura del volume, la luce naturale incontra quella artificiale, mentre al centro della struttura si apre una corte interna ampia 65 metri quadrati, protetta da una copertura trasparente, da cui guardare il cielo. Gli elementi modulari, che assemblati insieme lo compongono, non superano i 2.25 m di larghezza; tale segmentazione ha permesso di semplificare notevolmente le operazioni di smontaggio, trasporto e riassemblaggio dei vari elementi durante le passate trasferte in giro per il mondo.

Design: Zaha Hadid and Patrik Schumacher
Project Architect: Thomas Vietzke, Jens Borstelmann
Project Team: Helen Lee, Claudia Wulf, Erhan Patat, Tetsuya Yamasaki, Daniel Fiser
Structural Engineer: Arup (London)
Materials:
Facade Cladding: Fibre Re-inforced Plastic
Roof:  PVC, ETFE roof lights
Secondary Structure: Aluminum extrusions
Primary Structure: Steel 74t (69t Pavilion and 5t Ticket Office), 1752 different steel connections

Progettisti: Piero Sartogo, Nathalie Grenon
Periodo di costruzione 1998 – 2006
Committente: Opera Romana per la preservazione della fede e la provvista di nuove chiese in Roma
Copyright: Archivio Sartogo Architetti
Foto: Andrea Jemolo

Un punto dell’area del tutto virtuale, sede di una Croce circondata dal verde, in cui convergono tutte le linee di fuga che generano e conformano le volumetrie del progetto. La chiesa del Santo Volto di Gesù è spezzata in due con un forte segno spaziale e morfologico di separazione costituito dal percorso a cielo aperto, il “percorso luminoso”, che concorre verso il punto di fuga della Croce, ben al di la dell’edificio, che è anche il punto di conquista simbolico-reale del progetto. Si trattava di valorizzare le potenzialità edificatorie dell’angolo tra via della Magliana e la sua perpendicolare, tra il fronte con le palazzine e il fronte sulla grande via alberata in contiguità con l’ansa del Tevere. Lo spazio aperto che si viene a creare nella zona di massima divergenza delle linee prospettiche è l’ampio sagrato che si apre verso l’angolo delle strade su cui affaccia l’area.

Si ottiene così il luogo significativo dell’invito e dell’accoglienza: il sagrato come una grande “V” si apre simulando due braccia tese verso la città e suggerisce l’idea della città-comunitas che penetra lo spazio sacro. Il sagrato è concepito come un vuoto urbano ricavato per sottrazione dalla massa solida del costruito come una piazza cerniera tra la città e la chiesa. Un vuoto architettonico che si offre quale luogo di incontro e di socializzazione, in risposta al problema dell’assenza di un vero e proprio luogo pubblico nel quartiere.
Un forte setto lineare con le sedute ricavate dal suo piede ed affacciate sul sagrato connota il sistema dei percorsi in orizzontale e verticale che collega funzionalmente e percettivamente le aule, l’auditorium, gli uffici parrocchiali e la foresteria. Il profilo prospettico di questo grande elemento lineare culmina sulla testata con lo spazio per le campane rivolte verso l’abitato.

La geometria delle matrici lineari si sovrappone a quella delle matrici curvilinee, cilindriche e sferiche; queste ultime connotano gli spazi più aggregativi del complesso, quale l’aula liturgica a ventaglio sormontata dalla semicupola e, nel corpo contrapposto, il semicerchio dell’auditorium e delle aule per la catechesi.
L’epicentro compositivo interno-esterno è costituito da una sfera virtuale, che si legge in pianta come sommatoria dell’abside esterna e del podio interno semicircolare con l’altare situato in centro, separati da un diaframma trasparente. Per sottrazione la semicupola destinata a coprire lo spazio esterno non c’è: è rimasta la sola metà che connota l’aula dove si svolge la funzione sacrale, separata dall’abside esterno dal grande diaframma trasparente.

Nell’aula ecclesiale la copertura piana della zona assembleare viene nettamente tagliata dallo scatto verticale della semicupola che si innalza sul presbiterio fino alla cesura con la grande vetrata circolare retrostante l’altare, accentuandone l’efficacia costruttiva anche grazie alla luce naturale.
La sfida era definire l’articolazione spaziale dell’aula ecclesiale senza interposizione di pilastrature che interrompessero la continuità dell’invaso interno. Per ottenere ciò la semicupola è sostenuta a sbalzo dalla struttura circolare in acciaio di circa 20 metri di diametro. Come scrive Massimo Locci, “Non era mai stata concepita una cupola che racchiude, come in questo caso, sia lo spazio interno, sia lo spazio esterno. In verità si tratta di due semicupole, una interna canonica ed una esterna virtuale strettamente relazionate, in termini di continuità geometrica e percettiva. Un invaso esterno che è interno a se stesso, separato solo dalla grande vetrata le cui orditure sono disposte in prospettiva alludendo alla matrice sferica del volume.
Dal punto di vista volumetrico il luogo di culto offre una forte compattezza, un aspetto monolitico enfatizzato dall’uso di un unico materiale, il travertino romano, che avvolge tutte le superfici che delimitano lo spazio sacro culminando sulla semicupola.
Il blocco delle aule, invece, mantiene una più spinta articolazione, sottolineata da una molteplicità di materiali ( pietra serena, intonaco rosso, vetrocemento). La vivacità dello sviluppo planimetrico, articolato con le aule per la catechesi disposte intorno all’atrio-piazza interno, è rispecchiata nei volumi dalla giustapposizione di colori, intensi e contrastanti, che ne esaltano l’organicità. Si percepisce molto bene, attraverso piccoli particolari, il linguaggio base dell’architettura mediterranea, fatta “con le mani”, in situ, tettonica di massa scavata e non stratificazioni a secco.
L’edificio si svolge all’interno dell’invaso a doppia altezza, con scala e ballatoio che disimpegnano le aule a forma trapezoidale con un lato completamente vetrato, nel quale le finestre galleggiano su superfici in vetrocemento.
Questa soluzione architettonica nasce dalla necessità di inondare le aule di luce naturale, proteggendole dall’introspezione con i palazzi a pochi metri di distanza.
La casa parrocchiale rappresenta il luogo dei giovani. Si è pertanto cercato di dare un’impronta di vivacità attraverso un uso di materiale e colori che alludesse ad un microcosmo urbano di piazze e strade. Non a caso i parapetti, sproporzionatamente alti per bambini, fanno percepire loro il ballatoio come una strada con i proprio incroci e i fronti dei palazzi che la delimitano. E’ un paesaggio disegnato per i piccoli, un paesaggio del quotidiano che vive alimentato dalla presenza e che attraverso il tempo della presenza si costituisce come campo di relazioni complesse, come spazio estetico.

Con la chiesa del Santo Volto di Gesù viene inoltre ristabilito il dialogo tra arte e architettura: riprendendo la prassi secolare di concepire il tempio come un’opera corale, gli architetti Piero Sartogo e Nathalie Grenon e gli artisti, Carla Accardi, Chiara Dynys, Eliseo Mattiacci, Mimmo, Pietro Ruffo, Marco Tirelli, Ignazio Breccia, Giuseppe Uncini hanno interagito integrando pittura, scultura ed architettura in un unicum irripetibile.

Progettista: Progetto CMR
Committente: Bennet
Strutture prefabbricate: Moretti Prefabbricati
Superficie totale: 35.000 mq
Anno di progettazione: 2010
Anno di realizzazione: 2011

L’equilibrio tra l’anima commerciale del nuovo Centro Bennet e la sua funzione “conviviale”, di agorà, luogo di incontro e relazione, si esprime già nelle forme del nuovo Sedriano Shopping Center.
L’armonia tra lo spazio interno dedicato alla vendita e la piazza comunale esterna, infatti, si realizza su un asse pubblico definito nel segno del verde, che integra le due parti mantenendo un forte richiamo all’ambiente circostante.
I dettagli esterni ridisegnano le forme degli alberi: la pelle che avvolge tutto il Centro Commerciale è caratterizzata dal disegno di un enorme albero, realizzato ad hoc da Progetto CMR. Il fusto è intagliato nella parete esterna in cemento bianco, mentre la “chioma”, realizzata in silicon glass, è rappresentata dalla sinuosa veleggiatura retro-illuminata in copertura.
Il verde caratterizza anche tutte i rivestimenti interni, nelle texture delle colonne e delle pareti sembra scorrere linfa naturale, mentre i percorsi che conducono ai parcheggi interrati e la lobby di collegamento, sono pensati in continuità con il piano superiore.

I materiali eco-compatibili scelti per le finiture interne, il legno usato per i controsoffitti e la pietra bianca di Trani per i pavimenti, risaltano grazie all’effetto degli ampi lucernai che permettono un considerevole sfruttamento della luce naturale.

Le lampade utilizzate per l’illuminazione del Centro Bennet sono state disegnate per l’occasione da Progetto CMR e prodotte da Guzzini, sottolineando così attente scelte di design sia per il rispetto ambientale che per il risultato estetico sugli spazi.
La superficie di vendita totale è di 14.000 mq, e comprende una galleria commerciale di 27 negozi e l’ipermercato, oltre ad un’area parcheggio di 23.000 mq.

Lo spazio cittadino e quello destinato alla vendita si connettono, in modo che l’esterno e l’interno rappresentino per gli utenti un unico luogo da vivere e nel quale incontrarsi.

Realizzato con le soluzioni architettoniche e impiantistiche più all’avanguardia nel settore, Sedriano Shopping Center è uno spazio commerciale piacevole da fruire e funzionale, con un concept sostenibile pensato per richiamare le forme della natura, anche nei più piccoli dettagli.

AZIENDE FORNITORI:

Impresa Edile: EDILDA EDILIZIA LOMBARDA S.p.A.
Serramenti alluminio: OMATEC
Vele esterne: CANOBBIO S.p.A
Impianti Elettrici: ELETTROMECCANICA GALLI ITALO
Impianti Meccanici: GIANNI BENVENUTO S.p.a.
Prefabbricati: MORETTI PREFABBRICATI
Finiture di interni: OIKIA
Carpenterie: COLOMBO S.p.a

Progettista: Jean Nouvel
Periodo di costruzione 1981 – 1987
Sistema costruttivo: armatura, pareti schermate in vetro
Tipo di costruzione: centro culturale
Copyright: Ateliers Jean Nouvel
Foto: Philippe Ruault, Georges Fessy

La costruzione dell’ Institut du Monde Arabe rappresenta una combinazione tra le potenzialità della tecnologia avanzata e le possibilità dell’architettura bioecologica. Tale realizzazione ha segnato un punto di svolta per l’architettura francese sulla scena internazionale, unitamente alla carriera di Jean Nouvel. Questa costruzione ospita spazi adibiti a mostre, esposizioni, conferenze e dibattiti, oltrechè una biblioteca, un cinema ed un centro studi della cultura araba.

L’IMA è un luogo di scambio culturale tra le due realtà sociali più rappresentate a Parigi: quella occidentale e quella araba e Jean Nouvel dimostra in questo progetto la sua approfondita conoscenza della architettura e della cultura araba. La facciata nord dell’edificio, volta verso la parte storica di Parigi, simboleggia il rapporto con la parte antica della città; quella a sud, riprende i temi storici della geometria araba nella concezione dei suoi 240 moucharabiehs che la compongono. I motivi mozarabici quadrati e poligonali dei muri meridionali sono ispirati ai disegni dell’Alhambra di Granada.

Questi diagrammi si aprono e si chiudono ad ogni cambio d’ora mutando l’aspetto della facciata in funzione della luce. Fra l’intercapedine dei pannelli di vetro è alloggiato un sistema di griglie che, replicando i motivi degli arabeschi geometrici della civiltà islamica, filtrano per mezzo di cellule fotoelettriche il flusso luminoso negli ambienti dell’Istituto. L’edificio, grazie alla presenza dei diaframmi fotografici, rivela una stretta e convincente relazione tra architettura e cinema. Visitandolo si ha l’impressione di entrare nell’inquadratura di una camera da presa, come è sottolineato dalle stesse parole di Nouvel: «La sequenza dei passaggi tra diversi volumi e livelli d’illuminazione, a seconda delle diverse traiettorie al suo interno, può essere vista come una serie di angolazioni e aperture di un obbiettivo fotografico.»

L’edificio sorge su un lotto triangolare che segue la curva della riva meridionale della Senna, a monte dell’Île de la Cité. La facciata nord si affaccia su una strada che corre lungo il fiume. L’asse dell’ingresso dà sulla cattedrale di Notre-Dame, con il muro di sinistra posto perpendicolarmente rispetto al piano d’accesso, così da incorniciare la vista.
Dal piano terreno si può accedere al sottosuolo che ospita appunto l’auditorium introdotto da una suggestiva sala ipostila, o salire ai piani superiori. Tecnologici ascensori trasparenti, collocati sul perimetro di una corte interna, attraversano veloci e silenziosi i ballatoi dei vari livelli lasciando intravvedere la biblioteca, organizzata su due piani e  le sale espositive e arrivando infine all’ultimo piano, che ospita il ristorante e una bellissima terrazza con vista sulla città.

L’Institut du Monde Arabe è stato realizzato nel 1987, sulla scia dei grandi progetti promossi dall’allora presidente francese François Mitterand. Dopo lunghe discussioni sull’ubicazione adatta nel territorio parigino, il Ministro della Cultura Jack Lang decise di destinare alla costruzione un lotto lungo la Senna, sul Quai Saint Bernard, nel V arrondissment di Parigi. Nel 1982 fu bandito un concorso su invito, al quale parteciparono i giovani architetti emergenti del momento: Henry Ciriani, Christian de Portzamparc, Edith Girard, Jourda-Perraudin, Yves Lion, Jean Nouvel insieme a Gilbert Lézénes, Pierre Soria e Architecture Studio. Il progetto di quest’ultimo gruppo venne scelto come vincitore del concorso.

L’Institut du Monde Arabe di Parigi, è probabilmente il progetto più conosciuto di Nouvel, quello che lo proiettò a metà degli anni Ottanta sulla scena internazionale.

Cliente: Stilo Group, Bergamo
Architetti: Hani Rashid + Lise Anne Couture
Località: Bergamo
Superficie: 110.000 mq.
Area edificabile : 120.000 mq.
Destinazione: commerciale, hotel, planetarium, multiplex, spa

Il sito per il nuovo master plan è una zona a sud di Orio al Serio International Airport, vicino al centro storico di Bergamo nel Nord Italia. Il piano è una collezione intrigante ed articolata di superfici, che sembrano si siano evolute naturalmente dai terreni agricoli adiacenti. Nel complesso, l’Azzano San Paolo master plan è un esempio della possibilità di sviluppare grandi aree di servizio esteticamente interessanti ed architettonicamente dinamiche. Il rispetto per la bellezza del paesaggio rurale italiano richiede soluzioni architettoniche eleganti, soprattutto quando le nuove necessità commerciali si sviluppano su grandi aree come queste.

Il sito è diviso in diversi comparti che ospitano cinema, un planetario, negozi e centri commerciali, strutture sanitarie, hotel e complessi di uffici, che insieme costituiscono una relazione simbiotica, bilanciata e armonica con l’aeroporto, le strade, il contesto rurale e gli sviluppi architettonici circostanti. Le superfici del master plan salgono in lievi pendii, consentendo così alle aree sottostanti di essere adeguatamente pianificate per includere luoghi per passeggiare ed accedere nei vari edifici da sopra e di essere usati come spazi pubblici aperti, anfiteatri e caffè a cielo aperto

Al di sotto di queste superfici planari ci sono spazi urbani influenzati dalla grande tradizione italiana dei colonnati, come quelle che si trovano a Bergamo e a Bologna. Questi passaggi generano riparate promenades, marciapiedi pubblici, affacci per i negozi e così via, instaurando un processo, attraverso l’architettura, utile per definire lo spazio pubblico rispetto alla sfera del privato. Un processo di pensiero che, attraverso l’architettura, tenta di umanizzare il paesaggio, consentendo alle persone di sperimentare in modo nuovo e moderno l’ambiente urbano. Un’ispirazione che, pur essendo tratta dal passato, è saldamente e perfettamente orientata al futuro.

Le linee pulite di questo progetto, le articolate superfici dei tetti, gli spazi ampi delle strade e dei parchi pubblici, come anche la natura giocosa delle forme architettoniche che spuntano dalle superfici piane, tutto concorre verso un nuovo approccio all’esigenza di sviluppo delle grandi aree all’interno del contesto rurale, in cui le persone sentono il bisogno di restituire un significato al passato dei luoghi, con uno sguardo verso il futuro.

Hani Rashid e Lise Anne Couture hanno ricevuto riconoscimenti a livello internazionale.
Stanno lavorando su una vasta gamma di commesse negli Stati Uniti, in Europa e Asia, tra cui il World Business Center Solomon Tower a Busan, Corea del Sud, un edificio residenziale di lusso nella città di New York, due padiglioni d’arte contemporanea promossi dalla Fondazione Guggenheim per il Distretto culturale di Saadiyat Island in Abu Dhabi. Nel 2000 Hani Rashid ha rappresentato gli Stati Uniti alla Biennale di Architettura di Venezia e nel 2004 ad Hani Rashid e Lise Anne Couture è stato assegnato il Premio Frederick Kiesler per l’Architettura e le Arti, dato in riconoscimento dei contributi straordinari per il progresso e la fusione delle discipline di arte e architettura.

Committente: Secc Spa
Anno di realizzazione: 2000
Elementi prefabbricati: Moretti Spa
Progetto integrato (architettura, strutture e impianti): Ing. Enzo Ragni e COTEFA

L’emergenza relativamente modesta (7 mt) rispetto alle dimensioni lineari, le necessità distributive degli spazi commerciali e dei percorsi, hanno imposto una composizione compatta interrotta solo dalla presenza degli ingressi che diventano pretesti figurativi per interrompere l’eccessiva linearità del bastione murario. L’uniformità del paramento murario esterno rende più morbido il raccordo con il terreno. L’ingresso principale è stato trattato come un edificio bipiano a pianta ottagonale con un’orditura di travi binate in legno lamellare che prolungate sul portico esterno ne enfatizzano la simmetria centrale. E’ chiara l’intenzione di citare il tiburio ottagonale sotto il quale si erge l’arca di S. Agostino a Pavia.
Dal punto di vista del lessico architettonico si è scelto di impiegare il mattone di un colore coerente con l’impronta cromatica dell’architettura vernacolare della pianura pavese. I mattoni sono inglobati “a casellario” nei pannelli prefabbricati con un ritmo che nasconde perfettamente la ripresa del giunto costruttivo tra pannello e pannello. Liste orizzontali di pietra chiara si alternano con le fasce di cotto.
Nei centri commerciali realizzati da Cotefa, o in corso di costruzione come ad esempio quello di Torino Caselle, viene impiegato sistematicamente il mattone, questo materiale dalla tessitura vibrante che viene dalla terra come dalla terra vengono gli inerti che formano il calcestruzzo degli elementi prefabbricati. Dalla terra vengono anche gli alberi che usiamo nelle strutture in legno lamellare che sono impiegati spesso da Cotefa nella copertura delle piazze e delle gallerie. La straordinaria duttilità del legno lamellare consente di liberarsi dalla ossessione della forma rettilinea e dall’elemento prefabbricato prismatico.